"Es un drama psicológico íntimo, emotivo e inmersivo, además de un cine de eventos espectacular", dice el director de fotografía Hoyte van Hoytema FSF NSC ASC, mientras revela detalles sobre cómo capturar el thriller para morderse las uñas de Christopher Nolan, Oppenheimer, en IMAX. utilizando película de gran formato KODAK de 65 mm, incluidas, por primera vez, secciones en 65 mm en blanco y negro filmadas en IMAX.
KODAK de 65 mm, en blanco y negro
Una de las muchas razones por las que la filmografía de Christopher Nolan es venerada en la industria se debe a su conocida afinidad por IMAX y las películas de 70 milímetros. Su película más reciente que dominó la taquilla este verano, Oppenheimer, empujó esos límites, maximizando lo que los platos de películas IMAX pueden hacer en la extraordinaria película biográfica.
El peligro
El misterio
Inception
Mujer
El cine del pasado
El poder
Cuanto más grande y clara sea la imagen, más envolvente será la experiencia. Ese fue el objetivo detrás de la elección de Nolan y Hoytema de filmar su espectacular espectáculo utilizando cámaras de gran formato e IMAX. Inteligentemente, también sabían que debido a que la imagen es más grande, debes mantener las composiciones más limpias.
Más del cine del pasado
Cine alemán de los 20s
Ojos de Oppenheimer
Mujer y Oppenheimer de espaldas
Oppenheimer de espaldas
Otra lección que podemos aprender de las películas de Hoyte van Hoytema es que el enfoque superficial es una excelente manera de contar una historia visualmente.
Mujer de espaldas
Oppenheimer de espaldas viendo la bomba
Pensando en el futuro
Hombre del futuro
Oppenheimer de frente
Patriotismo
Volando
Oppenheimer y la bomba
Western
Cine alemán de los 20s
Oppenheimer de espaldas
Van Hoytema dice que filmar a Oppenheimer en una película analógica fue un hecho desde el principio, y que la calidad inmersiva de 65 mm en tamaño de cuadro IMAX de 15 perforaciones fue un atractivo irresistible.
¿Por qué los usuarios de la red ya tienen menos interacción con otros usuarios, por qué se comunican menos? Ya no saludan, ya no hacen preguntas, ya no comentan fotos. Todo ahora es solo para observar y de vez en cuando dar un like. ¿Por qué hay cada vez menos interacción?
La disminución observada en la interacción entre los usuarios de la red se puede atribuir a varios factores y, si bien es difícil identificar una sola razón, algunas tendencias comunes y factores contribuyentes pueden arrojar luz sobre este fenómeno:
Fatiga de las redes sociales:
Muchos usuarios han estado usando plataformas de redes sociales durante años y, con el tiempo, pueden experimentar fatiga o agotamiento debido a la participación constante. Las redes sociales pueden ser abrumadoras y algunos usuarios pueden reducir sus interacciones para mantener su bienestar mental.
Sobrecarga de información:
El gran volumen de contenido en las plataformas de redes sociales puede ser abrumador, lo que hace que los usuarios sean más selectivos en sus interacciones. Con una gran cantidad de información, es un desafío comprometerse con todo lo que les interesa.
Compromiso superficial:
El diseño de muchas plataformas de redes sociales fomenta interacciones rápidas, como me gusta y reacciones emoji. Esto ha llevado a una interacción más superficial, ya que es posible que los usuarios no se sientan obligados a dejar comentarios en profundidad o tener conversaciones significativas.
Miedo al juicio:
Con el aumento de la cultura de cancelación y el acoso en línea, algunos usuarios pueden dudar en expresar sus opiniones abiertamente o participar en discusiones por temor a enfrentar críticas o reacciones violentas.
Cambios en el algoritmo y la priorización del contenido:
Los algoritmos de las redes sociales a menudo priorizan el contenido según el comportamiento del usuario. Como resultado, el contenido que ven los usuarios puede estar limitado a temas o individuos específicos, lo que reduce las oportunidades para interacciones diversas.
Cambio en el consumo de contenido:
Los usuarios se han vuelto más consumidores pasivos de contenido, pasando de la participación activa a un enfoque más voyerista, en el que prefieren observar en lugar de participar activamente.
Restricciones de tiempo:
Los estilos de vida ocupados y las demandas competitivas por la atención de los usuarios pueden limitar el tiempo que pueden dedicar a interactuar en las redes sociales.
Madurez de la plataforma:
A medida que maduran las plataformas de redes sociales, la novedad y el entusiasmo iniciales pueden desaparecer, lo que lleva a una disminución del compromiso.
Canales de comunicación alternativos:
Con la proliferación de aplicaciones de mensajería y otras plataformas de comunicación en línea, los usuarios pueden preferir conversaciones más íntimas y privadas a las interacciones públicas en las redes sociales.
Es esencial tener en cuenta que estos factores pueden variar entre individuos y pueden afectar a diferentes usuarios en diversos grados. Además, el comportamiento de los usuarios en las redes sociales evoluciona continuamente y pueden surgir nuevas tendencias y características que influyan en los patrones de interacción en el futuro.
El fotógrafo británico Neil Burnell creó esta serie "Mística" que se relaciona con los árboles del bosque de Wistman en Dartmoor, en Devon, Inglaterra. Sus fotografías se toman principalmente durante la hora azul, aproximadamente una hora antes del amanecer. Se esfuerza por reproducir la magia y el aspecto de cuento de hadas de este lugar muy lejos de cualquier civilización. Este bosque en particular es conocido como el origen de muchos cuentos y leyendas británicas.
Aquí el autor especifica que "ha visitado este rincón al menos 20 veces en el último año, pero que la neblina necesaria estuvo presente solo dos de estas veces. Fotografiar este lugar sin esta neblina hace difícil, si no imposible, crear la atmósfera. desear.
La sonda Cassini inicia su último viaje en Saturno Cassini se lanzó en 1997, llegó a Saturno en 2004 y desde entonces explora el planeta desde su órbita. Además, se espera que este miércoles llegue a la zona que separa el planeta de sus anillos, un área que nunca ha sido explorada por ninguna otra nave espacial.
La sonda espacial Cassini de la NASA inició este domingo su último viaje en Saturno al acercarse a su mayor satélite para luego explorar sus anillos y acabar estrellándose en el misterioso planeta, un acto que pondrá fin a dos décadas de investigación espacial. En las primeras horas de este sábado, Cassini pasó cerca de Titán, la luna más grande de Saturno, para alterar su órbita con ayuda de la gravedad, informó la Agencia Espacial de EEUU (NASA). La agencia espacial espera que la sonda llegue este miércoles a la zona que separa Saturno de sus anillos, un área que nunca no ha sido explorado por ninguna otra nave espacial.
El objetivo es que Cassini mida la cantidad de hielo y de otros materiales que forman los anillos con el objetivo de determinar su composición química, una información que ayudará a los científicos a saber cómo se crearon los anillos. Cassini ha ido perdiendo combustible y, por eso, la NASA ha decidido que el 15 de septiembre la sonda se destruirá a sí misma al volar directamente hacia la atmósfera de Saturno. La NASA ha optado por estrellar la nave contra Saturno para evitar que, debido a la falta de combustible, acabe chocando con Titán o con Encélado, el sexto satélite más grande de Saturno y donde los científicos descubrieron en 2014 la existencia de un gran océano subsuperficial de agua. Los expertos temen que Cassini choque en esos satélites y tenga un impacto negativo en una hipotética vida microbiana.
Lanzada en 1997, Cassini llegó a Saturno en 2004 y desde entonces explora el planeta desde su órbita.
Runaway es un sencillo escrito e interpretado por el cantante de rock norteamericano Del Shannon en colaboración del tecladista Max Crook. Fue el primer corte de difusión perteneciente a su álbum homónimo de 1961 y rápidamente se convirtió en un gran éxito internacional, llegando al número cinco de la Billboard Hot 100. La revista Rolling Stone la posiciono en el múmero º 472 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos en 2010.
El cantante y guitarrista Charles Westover y teclista Max Crook actuaron juntos como miembros del grupo Charlie Johnson y el Little Big Show Band en Battle Creek, Michigan , antes de que su grupo ganó un contrato de grabación en 1960. Westover tomó el nuevo nombre artístico de "Del Shannon", y Crook, que había inventado su propia clavioline (teclado eléctrico llamado Musitron), al que nombró Maximilian.
Después de su primera sesión de grabación de Big Top Records en la ciudad de Nueva York había terminado en fracaso, su director Ollie McLaughlin los convenció de volver a escribir y volver a grabar una canción antes habían escrito: "Runaway", para resaltar sonido instrumental única de Crook. El 24 de enero de 1961, grabaron "Runaway" en los estudios de grabación de sonidos Bell, con Harry Balk como productor, Fred Weinberg como ingeniero de sonido y músico de sesión en varias secciones, Al Caiola en la guitarra, y Crook en el Musitron .Runaway fue lanzado en febrero de 1961 y fue un éxito inmediato. El 10 de abril de ese año, Shannon apareció en en el show de Dick Clark Dick Clark 's American Bandstand para ayudar a catapultar al número uno en las listas de Billboard, donde se mantuvo durante cuatro semanas.
Dos meses más tarde, también alcanzó el número uno en el Reino Unido. En las listas de R&B, "Runaway" alcanzó el puesto número tres. La canción fue número 5 en la Billboard de fines de 1961. Del Shannon la volvió a grabar en el año 1967 bajo el título "Runaway '67". Esta versión se publicó como single, pero no pudo hacer el Hot 100.La letra aborda la historia desde el punto de vista de un hombre cuya amante se ha escapado. Sobre todo que se refiere en tercera persona, pero ella se aborda brevemente en la segunda persona, desear que tu estuvieras aquí junto a mí.
En el arte, el frottage (de frotter francés, "frotar") es un método "automático" de la producción creativa surrealista y desarrollado por Max Ernst.
En el frottage el artista toma un pastel o lápiz u otro instrumento de dibujo y hace un roce sobre una superficie irregular. El dibujo se puede dejar como es o se utiliza como base para un mayor refinamiento. Aunque superficialmente similar al latón roce y otras formas de frotamiento cuya finalidad es reproducir un objeto existente, y de hecho a veces se utiliza como un término alternativo para ello, el frottage difiere en ser aleatoria y al azar en la naturaleza.
Fue desarrollado por Ernst en 1925. Ernst se inspiró en un antiguo piso de madera donde el grano de los tablones había sido acentuada por muchos años de fregar. Los patrones de las vetas sugirieron imágenes extrañas a él. Él capturó estas colocando hojas de papel en el suelo y luego frotar sobre ellos con un lápiz blando.
León es un sicario, no cualquiera, es de los mejores, un hombre ya mayor magníficamente interpretado por Jean Reno. Su rutina es levantarse del sofá en el que duerme, hacer ejercicio, tomar un vaso de leche, cuidar su planta y salir a trabajar. No es un monstruo, es un hombre con principios, ni mujeres ni niños. Vive en un barrio conflictivo.
Mathilda (Nataly Portman) es una niña de unos 10 años que se lleva muy mal con su familia excepto por su hermano menor. Su madrastra y su hermanastra le hacen la vida imposible junto con su padre que además es traficante.
En un momento que ella sale a comprar un grupo viene a ajustar cuentas con su padre y acaban matando a toda su familia, y ella al volver se refugia en casa de su vecino, que no es otro que León. A partir de entonces llegan a un acuerdo, ella limpia, cocina y le enseña a leer a cambio que él le enseñe a vengarse de quien mató a su hermano. Se hace muy profunda la relación, llega un momento que ella está tirada en la cama y dice "siento un cosquilleo en el estómago... creo que estoy enamorada de ti" y una escena censurada que eliminada hace tiempo, durante la cena ella se viste muy seductora y ella le empieza a hablar de chicos de una forma muy erótica y finalmente le convence de dormir en la cama, abrazándola.
Todas las civilizaciones que han existido en la historia han terminado colapsando tarde o temprano. La única que aun no lo ha hecho es la civilización actual, gracias al uso de la tecnología, el conocimiento de la medicina y la higiene, el transporte y la globalización. Sin embargo, al ritmo de crecimiento que vamos y con el cambio climático en ciernes, el sistema de extracción de alimentos y recursos energéticos se volverá insostenible en un mundo superpoblado.
Nada es seguro, pero el etólogo John B. Calhoun estuvo varias décadas estudiando los efectos adversos de una población descontrolada, utilizando para ello ratones de laboratorio. Para ello Calhoun creaba lo que él llamaba “universos”, pequeños mundos en miniatura en los que los ratones tenían toda la comida e infraestructuras que necesitarán para estar totalmente libres de depredadores, enfermedades y cambios climatológicos. La única limitación que existía era el espacio.
El más famoso de los mundos que creó Calhoun, fue sin duda, el Universo 25; un mundo ideal construido en 1968 y que tras 4 años en funcionamiento presentó unos resultados tan asombrosos como perturbadores. Fue un pequeño recinto cerrado de 2,5 m2 de superficie y 1,37 metros de altura, diseñado con el objetivo de ser el paraíso terrenal de los ratones de laboratorio.El lugar tenía todo el alimento, agua, material de nidificación y lugares para construir nidos ilimitados durante todo el experimento. Las condiciones de temperatura y humedad se mantuvieron ideales y el recinto se limpiaba a fondo cada cierto tiempo. En un inicio, el recinto se inauguró introduciendo 4 parejas de ratones perfectamente sanos, lo que sucedió en el experimento se describió en 5 fases.
Fase A: días 1 al 104
Durante los primeros 104 días los ratones se sintieron agitados y alterados debido al nuevo entorno, pero una vez se familiarizaron, comenzaron a reproducirse.
Fase B: días 105 al 315
También llamada fase de crecimiento rápido en un entorno ideal. La población de ratones se duplicaba cada 55 días; para el día 315, más de 600 ratones vivian en Universo 25, organizados en 14 grupos sociales con un macho dominante y roles sociales bien definidos para cada uno de los individuos.
Fase C: días 316 al 560
Una vez que el grupo alcanzó la cifra de 615 individuos, la tasa de crecimiento se redujo y la población pasó a duplicarse cada 145 días. Los problemas de espacio comenzaban a ser evidentes ya que más de 300 machos competían constantemente por conquistar y mantener una parcela de territorio y poder reproducirse. Ante tal estrés, muchos machos comenzaron a abandonar el territorio, perdiendo el atractivo ante las hembras, lo que se tradujo en una bajada de la tasa de reproducción.
Las hembras fértiles por su parte trataron de ocupar el rol abandonado de los machos para proteger los nidos, volviéndose más agresivas. Esta nuevo rol femenino afectó a las nuevas camadas de ratones, las cuales disfrutaron de un periodo de lactancia más corto, fueron abandonadas, atacadas y/o devoradas por sus propias madres. La sociedad estaba empezando a colapsar.
La agresividad del grupo aumentó y se volvió un rasgo generalizado. A pesar de que había comida en abundancia en los extremos del recinto, los machos más débiles quedaron acorralados en el centro del hábitat, lejos de los comederos y de los recursos. Estos machos continuaron rindiéndose a la desidia y y la inactividad casi total, pero en ocasiones y de forma impredecible, estallaban en cólera y atacaban en masa a otros ratones. Calhoun, denominó a este grupo “la Cloaca del comportamiento”.
Para el día 520, la población alcanzó los 2.200 ratones que vivían en un mundo anárquico, violento y casi sin sexo. A partir del día 560, ya no había más crecimiento: morían más ratones de los que nacían.
Fase D: días 561 al 1471
Llegados a este punto, la violencia entre grupos estalló, y comenzó el canibalismo de las crías con bastante frecuencia. Un grupo de machos se atrincheró en una zona protegida dedicándose en exclusiva al cuidar su cuerpo acicalando su pelaje todo el día, mostrando una total apatía por cualquier otra actividad, sin pelear y sin mostrar el más mínimo interés por la hembras. Calhoun los bautizó como “los guapos” porque no tenían heridas ni cicatrices.
La mayoría de las hembras que nacieron ya no se quedan embarazadas, ni tenían comportamientos maternales y de las pocas crías nacidas, muy pocas alcanzaban la edad adulta. Con este escenario, el día 600 nació el último ratón que se convirtió en adulto. El día 920, la tasa de nacimiento es cero. Llegados a este punto, la edad media de la población es de 776 días, 200 días más que la edad que marca la menopausia en los ratones.
El fin
El día 1471 finalizaba el experimento. Sólo quedaban vivos 27 ratones, de los cuales 23 hembras y 4 machos. El más joven de todos, tenía 987 días edad, el equivalente a 90 años de vida humana.
Colapso en la abundancia
Lo más llamativo del experimento es que en todo momento los ratones recursos de sobra, incluso en el máximo de población, nunca faltó agua, comida o lugares de nidificación. Sin embargo, la superpoblación destruyó la estructura social y mental de los ratones, empujándolos hacia comportamientos violentos y asociales. Según Calhoun, el colapso se produjo cuando los ratones dejaron de comportarse como ratones, algo que él denominó como “la primera muerte”.
Aunque diversos ratones del Universo 25 fueron extraídos y recolocados en nuevos ambientes sanos, su comportamiento no cambió. Pero lo más sorprendente fue que cuando se introdujeron ratones nuevos y normales en edad de procrear en el Universo 25, no mostraron conductas reproductivas.
Aunque la causa oficial del hundimiento del Titanic es el choque contra un iceberg en el Océano Atlántico, algunas teorías sugieren que la empresa planeó el accidente para cobrar el seguro y otras que el capitán navegaba imprudentemente antes de la coalición.
Hundimiento a propósito.
De acuerdo con el sitio especializado The Titanic, existe la teoría de que los dueños del barco lo hundieron con el fin de quedarse con las compensaciones de las compañías aseguradoras. Cambio de barco También se dice que la empresa dueña del barco, White Star Line, suplantó el Titanic por un barco llamado Olympic, que no estaba en buenas condiciones. El capitan navegaba imprudentemente. J. Bruce Ismay, empresario británico y dueños de embarcaciones. manejó la teoría de que el capitán Smith navegaba imprudentemente a toda velocidad, por lo que chocó contra el iceberg.
Materiales de mala calidad. Durante los años 80 se llegó a insinuar que los armadores del barco trabajaron con diseños repletos de errores y materiales inadecuados. Incendio no declarado. El historiador Ray Boston lanzó la teoría de que el 2 de abril se declaró un incendio en la bodega número 6 del Titanic, el cual no pudo ser apagado por la supuesta prisa que tenía el capitán por llegar a Nueva York. Así, cuando el barco iba en mar abierto, el incendio causó una explosión que finalizó en el hundimiento.
Guido Riggio Pou nació en Santiago de los Caballeros en octubre 7 de 1949. Licenciado en economía con honores académicos en la Pontificia Universidad Católica Madre y Maestra de Santiago en 1973. Siempre cultivó temas metafísicos desde sus inicios. Se dedicó al sector privado, dando consultas y ayudando a desarrollar proyectos propios y ajenos, esencialmente en el subsector turístico e inmobiliario. Dictó conferencias sobre temas sociales, culturales y profesionales. Ha publicado artículos sobre política, economía y crítica social en los diferentes periódicos del país.
En 1995 publica "Los Espejos del Tiempo".
Prólogo Por Nelson Julio Minaya: Nada tan vulnerable a la insignificancia, ni tan proclive a calificarse de superfluo, como el afán de acuñar en estrofas lo que sería enunciable por la vía expedita del discurso ordinario, sin el ornato y los rodeos de la versificación. Y si a esto añadimos el peso de una inmensa y apabullante tradición poética, en la que todo nos parece ya dicho y todos los senderos se delatan trillados, la insistencia en componer poemas bien podría tildarse de oficio pedantesco, divertimento inútil, convencional y especioso capricho.
Es por ello que en los poemas que hoy nos regala Guido Riggio adviene una palabra de excepción, que elude y deja atrás la posibilidad letal de la intrascendencia.
Prólogo por León David: Henos aquí ante el poema de una añoranza ancestral. Poema de diafanidad, de transparencia elocutiva que nos avecina a la comarca de la pura belleza. Poema que en vaga melancolía, en su irredenta nostalgia, hace aflorar las incurables y obtusas constricciones de nuestra humana condición de barro y sombra… Versos de limpidez desafiante cuya morosa y suave progresión contrasta con los empeños de espectacularidad, hermetismo y rareza que caracterizan al grueso de la extraviada lírica contemporánea.
PROLOGO EL OTRO JARDÍN: LA RETICENCIA DEL HAIKU Por León David A ninguna mente instruida se le ocultará que los poemas, harto breves y hermosos, incluidos en el poemario de Güido Riggio Pou intitulado El otro jardín responden plenamente, hasta donde el genio de la lengua castellana lo permite, a esa modalidad lírica tan característica del espíritu y la sensibilidad nipones que, durante la segunda mitad del siglo XIX –cruzando las palabras “haikai” y “hokku”- fuera denominada “haiku”.
Te podría contestar el poema “Mis Muchos”, último de mi libro “Los Espejos del Tiempo” donde soy una especie de Golem que sueña liberarse de un “sistema de palabras” que le habitan: “De mis muchos habitantes que me habitan, / de los rostros que me miran desde el fondo del espejo, / a los arcanos rostros que me asoman en la sombra, / los dejaré dormidos en su tierra misteriosa. / Mataré la muerte y emprenderé mi vuelo.”
O quizás soy el Rabino de Praga y como Platón sospecho que el Nombre es el arquetipo de la cosa.
Guido desapareció físicamente en Santiago de los Caballeros el 6 de Diciembre del 2015 dejando un gran legado.
Sigue el espejo.
Venciste al espejo
ya no puede encontrarte
mas todos nosotros, si
Frida Kahlo, la artista más famosa de México mejor conocida por su numerosos autorretratos, se retrata una vez más como último tema (Escultura) del hiperrealista Kazuhiro Tsuji. Tsuji.
Ofrece aquí en nuestro a ser bien conocido por sus grandes obras de retratos de celebridades, artistas, presidentes y otras figuras populares. Rendido con un realismo elevado, Frida de Tsuji es de resina, silicona platino, y otros materiales con la misma técnica que una vez practicada como artista especial de maquillaje efectos. Autorretrato de Frida a menudo expresan los efectos emocionales del dolor, la pérdida y la tragedia de su vida. Ella murió de repente en el verano de 1954, poco después de cumplir los 47 años, y su trabajo no fue ampliamente aclamado hasta décadas después. La encarnación de Tsuji de ella no es la trágica que hemos llegado a saber- se siente más brillante y elevado como dos gigantescos brazos dorados elevar suavemente hacia arriba. En su Facebook, donde publicó estas fotos, Tsuji comentó: "Viva la Vida", Ella estará en exhibición en "Copro Gallery" en el Ámbito de Miami Beach justo esta semana desde el 1 de diciembre hasta el 6.
Pocas ciudades han sido el centro de la creatividad mundial en una escala tan intensa como lo fue París en los años veinte. Había terminado la Primera Guerra Mundial y una juventud sacrificada pretendía saciar sus apetitos de esparcimiento tras los duros tiempos de la severidad y la sangre. A la vez se desató la imaginación de los artistas que escogieron la ciudad junto al Sena por sus económicas condiciones de vida y las facilidades que se ofrecían a la expansión cultural. Muchos norteamericanos acudieron al foco cegados por la vieja Europa liberal que lo aceptaba todo, lejos de los Estados Unidos de la prohibición, el puritanismo, la mojigatería cuáquera y el presidente Harding.
Dos centros principales de reunión atraían en la ciudad: la casa de Gertrude Stein y la librería de Sylvia Beach. Stein pertenecía a una rica familia judía y junto a su hermano Leo se dedico a coleccionar arte. Fue una de las primeras promotoras de Picasso y a sus cuadros unió los de Matisse y Braque y de la anterior generación se aficionó a Cezanne. Junto a su compañera Alice B. Toklas mantenía un salón que era muy frecuentado por el propio Picasso, Hemingway y Ezra Pound. Sus valoraciones estéticas eran muy respetadas y podían edificar o destruir una reputación en una tarde de comentarios irónicos. Sylvia Beach fue a Europa con la Cruz Roja americana durante la guerra y después se estableció en París donde abrió una librería, Shakespeare & Company, muy frecuentada por André Gide, Paul Valéry, Jules Romains, Gertrude Stein, Hemingway y F. Scott Fitzgerald. Vendía libros pero también los prestaba a quienes no podían pagarlos y fue editora. Con su bolsillo publicó el Ulises de James Joyce y también las primeras obras de Beckett. Esos años vieron el éxito de los Ballets Rusos de Diaghilev y el escándalo tras el estreno del Rito de Primavera de Stravinsky. Jean Cocteau abrió su café Le Boeuf sur le toit y André Breton y Louis Aragón fundaron la revista Literatura que dio nacimiento al movimiento surrealista. El rumano Tristan Tzara promovía sus escándalos dadaístas y la escritora de origen cubano Anaïs Nin mantenía un tórrido romance con el proscrito Henry Miller.
En los cafés Le Dome y La Coupole se reunía cada noche la crema de la intelectualidad y Marcel Proust acudía al exclusivo Hotel Ritz con regularidad observando la alta sociedad parisina con la acuciosidad de un relojero. Hemingway vivía pobremente en la calle del Cardenal Lemoine, detrás del Panteón, y nos legó un cuadro encantador de aquellos años en su libro póstumo París era una fiesta. La música tomaba nuevos derroteros con las composiciones de Darius Milhaud, Georges Auric, Poulenc y Honnegger. Eric Satie ideaba sus Gimnopédicas. Juan Gris, Duchamp, Leger, Arp, Picabia y Max Ernst experimentaban con formas y colores. Paul Valery escribía El cementerio marino, T.S. Eliot publicaba La tierra baldía y Ezra Pound concluía sus Cantos. Se pretendió liberar al hombre de las compulsiones civilizadas, del sensualismo ramplón y el letargo adonde es conducido por la organización social. Los surrealistas querían cerrar el camino a la razón y encontrar el vigor original de cada ser, hallar la reserva de energías, emancipar el espíritu sometiéndolo a una anarquía que le entregara su fuerza vital, su auténtica individualidad. Fue un intento de develar la fantasía y el absurdo que subyacen en lo cotidiano, de mostrar la magia que late en la aparente rutina, de hallar lo maravilloso que existe en lo real, hallar lo que de general hay en lo particular, subrayar lo universal en lo nacional.
Fue una era donde se enfatizó la importancia del subconsciente y la irracionalidad, se manifestó una realidad diversa a lo evidente. La sublimación de los sueños y la libre experimentación con las formas presidieron todos los intentos creativos. Fue un tiempo de ruptura de tradiciones y de invención sin medida. Ello coincidió con los avances científicos y tecnológicos que permitieron considerar otros puntos de vista en la expresión artística y facilitó los medios de elaboración del producto cultural. La esencia de los símbolos, de las metáforas, de la sustitución de unos valores por otros desembocó en una reforma de la apreciación y en un arte libre.
MORNINGNEWS.MN La momia fue hallada el pasado 27 de enero en Mongolia
La policía de Mongolia ha recuperado la momia de un monje budista en estado de meditación desde hace 200 años que iba a ser vendida en el mercado negro. Los restos momificados se encontraron el pasado 27 de enero en la provincia de Songinokhairkhan, cubiertos de pieles de ganado vacuno. Un funcionario no identificado señaló al diario «The Siberian Times» que la momia fue sustraída de una cueva en la región Kobdsk por un hombre de 45 años llamado Enhtor que la ocultó en su casa en Ulán Bator mientras planeaba su venta en el mercado negro.
Los forenses examinan ahora los restos del monje budista para intentar averiguar cómo pudieron conservarse durante unos 200 años en posición de loto. Se cree que podría tratarse de un maestro del famoso Lama de tradición tibetana Dashi-Dorzho Itigilov, nacido en 1852 y que también murió en esta compleja postura. Fue enterrado en 1927 y cuando fue exhumado en 1973, hallaron el cuerpo momificado aún en la misma posición. Barry Kerzin, famoso monje budista y médico del Dalai Lama, ha asegurado, sin embargo, que el monje «no está muerto» sino que «se encuentra en un estado de meditación muy profundo», un complejo estado espiritual conocido como «tukdam». «Si el monje puede continuar en ese estado de meditación puede llegar a convertirse en un Buda», afirma.
«Tuve el privilegio de cuidar de algunos meditadores que se encontraban en un estado tukdam», añade Kerzin, que explica cómo si la persona es capaz de permanecer en este estado durante más de tres semanas -lo que rara vez sucede- el cuerpo se reduce poco a poco y, al final, todo lo que queda de la persona es el cabello, las uñas y la ropa. En estos casos, continúa el monje budista, «las personas que viven junto al monje pueden ver un arco iris que brilla en el cielo durante varios días. Esto significa que se encontró un ‘cuerpo de arco iris’. Este es el estado más cercano al de Buda».
Mi trabajo explora la manera en que nos relacionamos con nuestro entorno y las posibles consecuencias de nuestras acciones tienen sobre el mundo en que vivimos. A través de mi trabajo intento de cuestionar la razón de ser de nuestras elecciones, y tratar de revelar la dicotomía que puede existir entre lo que deseamos y lo que manifestamos. Recientemente mi trabajo se ha centrado en los mecanismos que potencian nuestra sociedad y examina la forma en que pueden influir en la construcción de un futuro posible.
SOBRE EL ARTISTA: Michael Kerbow es un artista de San Francisco, que trabaja en una variedad de medios, incluyendo pintura, dibujo, ensamblaje, y la fotografía manipulada digitalmente. Recibió su MFA de Pratt Institute de Nueva York. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional y ha aparecido en varias publicaciones.
Tom Hanks es algo más que un excelente actor, invitado a la boda, aficionado a los deportes, y el núcleo duro de la inspiración del rap. Él es también un increíble audición-tor. Ya dimos un poco de esto, dieron todos los papeles protagonistas que ha aterrizado, los Oscar que ha obtenido, etc, pero ahora tenemos la prueba.
Cinta de la audición de Hanks por Forrest Gump ha aparecido en la web 20 años después de la premiada Robert Zemeckis teatro estrenó. En el vídeo de arriba, se ve al actor de leer varias escenas junto a la no menos maravillosa Robin Wright, la actriz para interpretar a su tan eludiendo interés amoroso, Jenny. El carrete también incluye audiciones de los actores que interpretan joven Forrest y joven Jenny, así como Haley Joel Osment, quien interpretó al hijo de Forrest. Por supuesto, lo más probable es que esto no es una verdadera prueba, ya que Hanks era una enorme estrella de cine y, probablemente, no una audición como cualquier actor trabajar, pero por lo menos es una mirada a la primera versión de su actuación ganadora de un Oscar. Una cosa que es curioso que falta, sin embargo: acento sureño de Gump. Echa un vistazo.
Este post ha sido actualizado para reflejar el hecho de que no se sabe si se trata de una verdadera cinta de la audición o mero material de los ensayos.
"Tears in Rain" es el monólogo final de la película de Ridley Scott Blade Runner, entregado por el replicante Roy Batty, interpretado por Rutger Hauer. La forma final, alteración de las líneas de guión y mucho improvisados por Hauer en la víspera de la filmación, [1] [2] ha entrado en la cultura popular como "quizás el soliloquio muerte más conmovedor en la historia del cine" [3] y es una muy citada pieza de la escritura de ciencia ficción.
Guión y la improvisación
En Blade Runner, el replicante Roy Batty muriendo introspectivamente hace que el discurso durante un aguacero de lluvia, momentos antes de su muerte:
I've... seen things you people wouldn't believe... Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched c-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those... moments... will be lost in time, like [small cough] tears... in... rain. Time... to die...
En el documental de Channel 4 On the Edge de Blade Runner, Hauer, el director Ridley Scott, y el guionista David Peoples afirmó que Hauer escribió las "Lágrimas en la lluvia" habla. Hubo versiones anteriores del discurso en los proyectos de guiones de los Pueblos; uno incluyó la frase "he rodado en las cubiertas traseras de una luz intermitente y observó rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta Tanhauser" [5] En su autobiografía, Hauer dijo que simplemente troceada el discurso con guión original de varias líneas, agregando sólo "Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia" [6], aunque el guión original, que aparece durante el documental, antes de reescritura de Hauer, no menciona "la Puerta de Tannhäuser":
He conocido aventuras, lugares a los que la gente nunca va a ver visto, he estado Offworld y la espalda ... Fronteras! Me he parado en la cubierta posterior de una luz intermitente con destino a los campamentos Plutition con el sudor en mis ojos que miran las estrellas pelean en el hombro de Orión ... He sentido el viento en mi pelo, paseos en barco de pruebas fuera de las galaxias y negro visto una flota de ataque quema como un partido y desaparecer. Lo he visto, sentía que ...!
Hauer describió esto como "hablar de la ópera" y "discurso de la alta tecnología", sin relación con el resto de la película, por lo que "puso un cuchillo en ella" la noche antes de la filmación, sin el conocimiento de Scott. [7] En entrevista con Dan Jolin, Hauer dijo que estas líneas finales mostraron que Batty quería "dejar su marca en la existencia ... el replicante en la escena final, al morir, muestra Deckard lo que es un verdadero hombre está hecho." [8]
Cuando Hauer realizó la escena, el equipo de la película aplaudida y algunos incluso lloró. Esto era debido a la potencia del habla morir combinado con llegando al final de una sesión agotadora.
Le Corbusier en 1939 pintando un mural en la casa E.1027. El desnudo es "auténtico", como testifica la cicatriz que le recorre la pierna derecha, que se hizo en una accidente náutico. Le Corbusier aparecía pillado in fraganti realizando una "maldad". La anécdota nos ha permitido conocer además la obra de Eileen Gray como diseñadora y arquitecta.
Fue una de las primeras mujeres reconocidas internacionalmente en la actividad del diseño industrial. Eileen Gray fue una de las personas más sensibles y más innovadoras en el campo del "diseño total del espacio", entendiendo por tal cosa el mobiliario, la luz, las texturas, los colores, los tejidos... Abarcó un campo en el que los arquitectos del Movimiento Moderno apenas habían reflexionado por entonces, y llegó a logros prodigiosos. Tenía fama de lesbiana y lo más que conceden algunos es que fue "bisexual", pero lo que era en definitiva era una mujer inteligente, con una sensibilidad excepcional y un espíritu libre ,que no quería estar atada a nadie ni a nada. Nunca quiso casarse, y vivió sucesivas historias de amor que a algunos escandalizaba. Jean Badovici era arquitecto de formación, y editor de la importantísima revista L´Architecture Vivante; era amigo de Le Corbusier, de quien había publicado muchas obras. Eileen y Jean estaban muy enamorados.
Eileen Gray (9 de agosto de 1878 - 31 de octubre de 1976) fue una artista de la laca, diseñadora de muebles, de interiores y arquitecta irlandesa bien conocida por incorporar el trabajo de la laca con lujo en el International style.
Le Corbusier fue un teórico de la arquitectura, Ingeniero, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura (junto con Frank Lloyd Wright, Oscar Niemeyer, Walter Gropius, Alvar Aalto y Ludwig Mies van der Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX.
Jean Badovici y Eileen Gray se construyeron una estupenda casa en la costa azul para vivir en ella su amor. La casa fue diseñada por ambos, Jean se limitó a los aspectos técnicos de su profesión. Le Corbusier era un paleto, y nunca había conocido a una mujer como Eileen. Le Corbusier se hacía invitar a esa casa a menudo, e insinuaba que tal pared quedaría muy bien con uno de sus murales. Esas insinuaciones ponían frenética a Eileen, que había pensado cada detalle de la casa y que la quería justo como era, sin necesidad de que nadie viniera a meterle mano, ni a pintarrajear. Entre 1938 y 1939 Le Corbusier, por fin, pintó una serie de murales en la casa. Eileen, impotente, se desesperó. El amor entre Eileen y Jean se había terminado hacía años. Eileen se había marchado de allí, y la casa había quedado a nombre de Badovici.
Le Corbusier, que seguía obsesionado por la casa, se ofreció (otra vez) para pintar unos murales gratis. Era el arquitecto más famoso del mundo, y como pintor también era muy valorado. Traicionada por su antiguo amor, Eileen tuvo que enterarse de que el intruso estaba saliéndose con la suya, pintando las paredes de su casa, rompiendo todas sus ideas y todas sus intenciones y todos sus logros artísticos y espaciales. Le Corbusier publicó los murales en varias revistas de arquitectura, sin ni siquiera mencionar el nombre de Eileen Gray. Y se permitió escribir sobre el escaso valor de los muros iniciales, que habían sido revitalizados y animados por su pincel. Pero se preocupó de no mostrar las fotos de sus murales sin más, sino en perspectiva con los espacios de la casa.
La Casa E.1027 de Jean Badovici y Eileen Gray en la Riviera francesa, en el lado oeste de Cap-Martin, con vistas a la bahía de Mónaco.
